El grito de la naturaleza o una imagen del alma? por Ulla Sarja

El Grito de la naturaleza o una imagen del Alma

Este es un análisis de la famosa pintura de Edvard Munch Skriet, El Grito, que existe en varias versiones y la más famosa de ellas se encuentra en Natsjonalgalleriet en Oslo. La muerte y sus inmediaciones se considera que ha tenido una gran influencia en el arte de Edvard Munch y puede ser visto incluso en El Grito. El grito es una pintura de la ansiedad, y muchos han tratado de analizarlo, especialmente psicólogos. Propias notas de Edvard Munch han sido un poco de ayuda. Yo mi yo veo la pintura como una expresión de miedo de estar loco y después Munch en realidad nos dieron una crisis nerviosa y estaba acostado en un hospital de Copenhague. El grito es una imagen subjetiva del paisaje del alma basada en la experiencia de Munch al atardecer una noche en Cristianía. Él ve el cielo rojo como la sangre y la figura deformada está situado en el centro, donde las fuerzas dinámicas de la naturaleza se enfrentaron con el bronce estabilidad artificial. Vigilante, ojo punitiva de Dios, que ha sido interpretado como una metáfora de la propia superego del artista, se puede ver en el medio del cielo azul-rojo. La gente usa para ver la imagen como una expresión de angustia existencial y la vulnerabilidad humana. Estoy más inclinado a ver El grito como una imagen de la ansiedad patológica.

El grito es, probablemente, una de las pinturas más analizados, especialmente interesante en los círculos de la psicología, ya que, al igual que muchas de las pinturas de Munch, es considerado como una imagen simbólica de la psique del artista. Si ve la pintura como alma descriptiva del artista que ha interpretado desde la perspectiva sintomático. También se puede ver el arte como una herramienta de comunicación. El arte está destinado a ser una herramienta de comunicación y entendemos el trabajo, pero tal vez hemos entendido mal lo que el artista quiere decir (Hermern, 1995). Estas son las formas de interpretación que yo hago un intento más tarde. Paul Klee (citado en Hermern, 1995) dijo una vez que el arte no reproduce lo visible, pero nosotros aprende a ver (lo invisible). Esto es probablemente cierto en el caso de las pinturas de Munch. Aún debe recordar que no hay verdades objetivas en esta área. primero voy a presentar brevemente el artista y su vida para luego pasar y describir el grito, la pintura y en la sección de discusión que voy a tratar de analizarla en relación a la condición psíquica de Munch.

Lo interesante, sin embargo, es decir, que la propia pintura es capaz de criar a un sentimiento de angustia por los colores used.Edvard Munch (1863-1944) nació en una familia con cinco hijos. Ambos padres eran profundamente religiosos, incluso si la religiosidad del padre cambió carácter a la maníaco-depresivo después de la muerte de su esposa (Bjerke, 1995). Edvard fue el segundo más antiguo de los niños. Su madre murió de tuberculosis cuando Edvard tenía cinco años. Diez años más tarde, su hermana mayor murió de la misma enfermedad y más tarde otra de sus hermanas se enfermó mentalmente. Tanto su padre y un hermano murieron cuando Edvard era joven. La muerte y sus alrededores durante la infancia y la adolescencia se considera que han influido en su vida y por lo tanto se convirtió en el tema principal en sus obras. Según Bjerke (1995) Munch luchó durante toda su juventud entre dos polos: la fe cristiana en casa y el ateísmo bohemio. Tal vez no era más que un observador astuto, sin tomar parte en absoluto. "[Una] ansiedad persigue el trabajo de Edvard Munch, [que] se expresa con una inventiva formal que incide sobre las emociones antes de que siquiera somos conscientes de la asignatura , las regiones más profundas de la psique son evaluables sólo a través de la agencia potente de ritmo y color ". De acuerdo con el autor de este texto, cuadros de Munch plantean ansiedad u otros sentimientos más profundos solamente por una experiencia de color. Munch mismo era consciente de su drama existencial, "Mi arte tiene sus raíces en una sola reflexión: ¿por qué estoy no como otros son ¿Por qué hubo un cursor en mi cuna ¿Por qué he venido al mundo sin ninguna opción Mi arte da sentido a mi vida??? ". Esto dice mucho acerca de Edvard Munch y sus obras, y que tiene en su arte logrado captar la psique humana y sobre todo sus lados más oscuros. Al pintar una pintura expresionista del artista no está tratando de describir la realidad objetiva, sino la emoción subjetiva y la respuesta se produce en los seres humanos (artista) debido a diferentes eventos. Artistas expresionistas comenzaron a ser conocidos durante las primeras décadas de la década de 1900 y Edvard Munch es considerado uno de los interruptores de tierra ". Skriet" (El grito, el grito) es considerado como el más famoso de las pinturas de Edvard Munch, y también es visto como una imagen de la angustia existencial. Skriet lleva el nombre de su posterior análisis. Existe en varias versiones, la más famosa se encuentra en Natsjonalgalleriet en Oslo . Está pintado al óleo, témpera y pastel sobre cartón. Tamaño 91 x 73,5 cm. Según Heller (1995) Munch quería encontrar una manera de describir la realidad psicológica, realidad que era más real para él que el mundo visual que cambia continuamente en su mirada subjetiva. Entre 1892-1893, en repetidas ocasiones habló de su experiencia, bajo ciertas condiciones mentales, cuando las nubes eran como sangre. Por lo tanto pensó que no podía pintar las nubes, ya que son, en realidad, pero a medida que se ven como en su realidad interna, es decir. sangre coagulada (Heller, 1995). Munch decidió pintar después de que sus visiones psicóticos y pintó El grito La pintura se divide en tres partes o dominios diferentes:. El cielo en el fondo (dinámico), el mar en el medio (la calma) y el puente en la parte delantera, con su perspectiva abrupto y una sensación de fuerza. Dos personajes yendo tranquilamente a lo largo del puente, lejos de la figura central. Ese somos adoptados a identificarnos con, y la mayoría de nosotros hacemos, con la figura en el centro, en su lugar principal donde las curvas y las líneas rectas se encuentran. La cifra es tan deformada que no parece humano. Se ve demacrada enfermiza y ojeroso, se vistió con un color azulado y tiene una boca abierta, gritando. El cielo es (sangre) de color rojo, el agua es de color amarillo sucio. Puede distinguir los barcos en el fondo, de lo contrario sería difícil reconocer la cosa amarilla como el agua en absoluto. La figura se coloca de modo que Munch podría desarrollar la gran curva ondulante, además de la cremallera, agudo diagonal, los principales elementos de la composición. La curva en el cielo, en rayas rojas de la sangre a la derecha, donde se convierte en ondas azules y verdes y cae hacia la forma de la figura. El grito es considerado como una de las principales obras de Munch. Es la culminación de su intenso periodo de búsqueda de la base misma de su arte (Wittlich, 1987). La pintura fue pintada después de una refundición de la "desesperación". Las cosas cambiaron en el grito; la figura central se ha invertido en el frente, hacia el espectador y su carácter salvaje expresa el pánico y el horror de pesadilla. En la desesperación se puede ver figura solitaria en la barandilla mirando hacia abajo en las profundidades del lugar de observar el color-play en el cielo. El grito es considerado como una expresión de la existencia angustiada del hombre moderno. La figura gritando tiene una cabeza descubierta se asemeja a un cráneo y que parece ser el centro de la composición. La cabeza se encuentra entre las curvas y el ángulo recto, entre el movimiento y la estabilidad. Hay una tensión en la pintura conservada por bronce bordes muy rectas y las líneas de colores del cielo. México La cifra real, por su forma, parece estar relacionado con la naturaleza. Pero la naturaleza puede ser visto como la fusión en la figura, ya que ocupa el grito de la figura en los colores. El puente no es parte de la naturaleza y entonces podemos interpretarlo como una tensión; ambiente "de un solo hombre-contra-naturaleza". Wittlich (1987) ve el cielo rojo sangre como un problema, ya que no sabemos si las nubes están destinados a ser la "sangre" o si van a ser "la sangre". También puede ver una especie de ojo en el huracán colorido encima de la cifra. De acuerdo con Bjerke (1995) El grito es una imagen de "condición durado" y la imagen no se puede dividir en internas y externas, pero debe ser visto como un todo. Hay una inscripción grabada en la pintura de la caja roja superior: "Sólo puede ser pintado por un loco." No está claro que la aprobación fue escrito por el propio Munch, pero sin embargo, se considera la imagen constituye un límite a la expresión de estrés mental (Wittlich, 1987). Jeg gik bortover veien med a venner - Solen gik ned

- Jeg flte som et pust af Vemod - CD - Himmeln blev pludsenlig blodi rd

stanset Jeg, laenede mig hasta gjaerdet traet hasta dden [venner mina sp mig

og gick videre -] s utover [p] durante de Flammende Skyer som blod og

Svært [sobre fjorden og byen] sobre blsvarte den fiordo og por -

Mina venner gik videre - Jeg stod der skaelvende af angustia - og JEG flte

som et stort uenderlig Skrik gjennem naturen.Munch escribió estas líneas en su diario durante la enfermedad cuando cuando se alojaba en Niza 22 de enero 1892 (Bischoff, 1990, Eggum de 1989, Heller, 1973, p. 103). Según Bjerke (1995) todavía tiene que recordar que Munch con estas líneas que se hace referencia a una pintura anterior, del estado de ánimo en el ocaso . Según Wittlich (1987) el texto se basa en una experiencia real que ocurrió el otoño de 1891, cuando la sierra Munch una extraña fenómenos meteorológicos nórdica que a menudo ha sido descrito por los paisajistas románticos.

Según el mismo autor, el primer resultado de los fenómenos es para ser visto en la desesperación, una pintura de Munch pintó en el invierno de 1892. Fue en el tiempo, la hermana de Laura Munch se volvió loco y se encontraban en un hospital en Oslo.

Según Wittlich (1987) Munch tenía miedo de que incluso su propia desesperación iba a convertirse en una locura y es por eso hay que ver la pintura como los mans perturbados expresión de miedo comprimidos. La única figura, que se apoya en la barandilla, mirando hacia abajo en las profundidades debajo, en lugar de la observación de los colores en el cielo. Wittlich (1987) significa que lo importante es la delimitación de la figura principal y los "amigos":.. Toda situación artística de Munch se esconde allí La Desesperación paisaje se muestra en Cristianía, visto desde Ekeberg Hoteles en El Grito de Munch tiene transformado el paisaje tanto como sea posible, sin interpretarlo como una pintura abstracta libre. Según sus propias palabras "un extracto de la naturaleza - la raíz cuadrada de la naturaleza lo atrapó" (Eggum, 1989, p.50). Munch había visto este fenómeno natural en 1891. Un año más tarde pintó desesperación mientras estaba claramente ya inestable. Otro año más tarde pintó El Grito. Fue el mismo año que su hermana se enfermó mentalmente, y antes de eso tenía Munch sido él mismo en un hospital (por un ataque de nervios?).

Munch ha escrito mucho en sus diarios y sus palabras han sido de gran ayuda en la interpretación de su pinturas. Hay quienes piensan que lo hizo deliberadamente, para dar lugar a diferentes interpretaciones. Heller (1973) cree que cuando Munch eligió el tema del grito de la naturaleza como un símbolo de la desesperación y la angustia, era consciente de que el público noruego y alemán sería entender la importancia de esto. El texto sólo serviría como una confirmación de lo que ya sabíamos. De acuerdo con Bjerke (1995) Munch tomó el papel como un Cristo moderno en sus pinturas, como víctima, como un "curandero". La separación de los demás fue causado por sí mismo teniendo al mismo tiempo el papel de una víctima. Él habló a menudo sobre la atención como las "heridas" y tuvo que vivir con estas heridas que sufren de ansiedad y soledad. Bjerke (1995) también dice que hay otro punto de vista para ver todo esto desde; para ver como es el estado mental que llamamos narcisismo. Munchs uso de la perspectiva frontal se ha interpretado como una expresión de sus cualidades personales y su disposición a enfrentar el "cara a cara" mundo (Bjerke, 1995). Eggum (citado en Bjerke, 1995) han elaborado un paralelo entre los actores en escena y la pintura de Munch: el espacio psicológico creado entre el actor y el público en el teatro es exactamente lo que Munch creó entre el espectador y la pintura. Pero su alma se ve como la entidad central, y es visible en el fondo. De acuerdo con Heller (1995) Munchs paisaje puede ser visto idéntica a la mujer, o la mujer, las fuerzas visuales de la naturaleza comparable a la de mujer sexual poderes. Hay teorías psicológicas que dan soporte a este enfoque, véase Steinberg (1986). Manera de Munch de dar forma a las líneas, especialmente en la versión litográfica de El Grito, está tomando una forma de cabello y el pelo es lo que a menudo Munch utilizado como un símbolo de la extraña energía, hembra. De acuerdo con esta interpretación de la figura (usted no es capaz de saber si es una mujer o un hombre) en el grito se pierde a sí mismo y va a fundirse con la naturaleza (la mujer) al asumir forma natural en lugar de seguir siendo humano. La ansiedad y la desesperación está causando su identidad de ser menos real que la naturaleza, y la pérdida de identidad lleva a la muerte, Heller (1995). Según Steinberg y Weiss (citado en Kjellqvist, 1995) Munch paisaje temido ya que temía a la mujer y se sentía amenazado para ser contenido o la infracción de la misma. George Wingfield Digby (citado en Bjerke, 1995) ha hecho una interpretación psicológica de los cielos se forman en el fondo. Según él, se puede ver el ojo de Dios, el ojo del padre, un ojo que representa el superyó omnisciente y omnipotente. Él ve la figura de la pintura como una mujer bloqueando el camino del artista y lo llama "La madre terrible" que bloquea el camino del artista. El grito sería una imagen de la angustia causada por la muerte de la madre de un niño pequeño. De acuerdo Wittlich (1987) El grito puede ser visto desde el punto fórmula de vista como un duelo entre curvas y líneas rectas y la cabeza de la figura se encuentra en el punto donde estos poderes chocan. Esto describe la inestabilidad. Esta figura de la diagonal es una metáfora de imagen ordinaria de la vulnerabilidad de un hombre contemporáneo. Bjerke (1995) también significa que no está claro si Munch realidad formuló su propia experiencia simbólica o si él está hablando un lenguaje universal, comprensible basa en las ideas arquetípicas y la experiencia general de . Parecía como Munch comenzó a ser cada vez más volátil después de 1 891, incluso si él no hubiera estado en equilibrio antes tampoco. Esto se puede leer en Björn Stadt (1995).

Pintó Desesperación de un año después de los hechos reales (fenómeno natural) que había ocurrido. Iy ya estaba solo color recuerdos de la creciente miedo a la locura. Por otra parte, la memoria humana es un sistema complejo que puede acumularse en los recuerdos después, añadir u olvidar detalles de los eventos tan atrás en el tiempo, es decir. memoria no es fiable, véase, por ejemplo Farthing (1992). Por lo tanto, no se puede sin duda saber lo que realmente Munch vio o experimentó esa noche en 1891. Munch no estaba loco en el sentido de la palabra, pero sufría de ataques de ansiedad severa y estaba paranoica periódicamente (Bjorn Stadt, 1995). Cuando llegó al hospital en Copenhague, Octubre 1908, le dijo a unos diez años el infierno viviente. Pensó que estaba rodeado de enemigos noruegos, oyó voces y él fue en general en mal estado. Es aquel infierno, la paranoia y la ansiedad que probablemente podemos ver en El Grito. Munch fue diagnosticado como depresión, pasó ocho meses en el hospital, y luego se hizo el tema de la ansiedad y comenzó a pintar los acontecimientos más mundanos. "Pinté foto tras foto de las impresiones que había tenido en mi mente en los momentos emocionales - pinté las líneas y los colores que había impreso allí en mi ojo interior - la córnea - Sólo pinté lo recordé sin añadir nada - sin los detalles Ya no me mantuve en mente - Así surgió la simplicidad de las pinturas - el vacío aparente " ... (. Eggum 1989, p 52) Es propias palabras de Munch sobre cómo vio sus pinturas

habla acerca de ver con su "ojo interior". Quizás es lo que El grito se trata; la veía con un ojo interior.

La experiencia se obtiene mirando el tablero varía en función de las propias experiencias de la persona y es diferente para cada persona porque no se puede estar seguro de que nuestros sistemas sensoriales son similares de los demás.

Pero probablemente hay algo universal en el cuadro, porque la mayoría de nosotros puede poner automáticamente en la categoría de terror. La pintura ha fascinado, y sigue siendo, muchos analistas de arte . Los psicólogos desde la época de Freud, han estado tratando de analizar diversas piezas de arte y para saber la cantidad de la personalidad del artista se refleja en sus /sus obras. Pinturas de Munch se han visto particularmente ampliamente analizada como la subjetividad de estos es muy clara. Usted puede ver su arte como si los contenidos subjetivos se habían traducido en símbolos comprensibles universales, es decir. representaciones no verbales que transmiten sentimientos que no se puede expresar verbalmente (Heller, 1973). Según Heller (1973) que tiene interpretar el contenido patológico de la pintura, incluyendo el miedo a perder la propia integridad y que se funde con el entorno. Lo importante es que Munch ha logrado captar su sentido casi psicótico de una manera que hace que tanto la gente de su pueblo en tiempo de hoy entienden instintivamente lo que quería decir. Según Heller (1973) Munch ha, a través de la introspección, conseguido una imagen de la esquizoide hombre dentro, ya que se ocupa de abuso excesivo de alcohol y cuando se siente la ansiedad como el grito de la naturaleza. Jung (citado en Hobcke, 1989) argumenta que los síntomas extraños en pacientes psicóticos no es tan diferente de la pintura. Esto se puede observar en pacientes normales o neuróticas, incluso si parecen más fuerte entre los pacientes psicóticos. El problema en ambos casos es que los síntomas son una expresión simbólica de material inconsciente. Según Jung (1967/1997) también arquetípica de símbolos colectivos y, por tanto universales son reconocidos. Esto explicaría por qué la mayoría de la gente reconoce la sensación en la pintura. Munch no es la única, y no el primero que describe el sol como "sangrienta" y ansioso. Anteriormente se creía generalmente que la gente más a menudo se suicidaron al atardecer. Un escritor alemán, Georg Buchner (. Citado en Heller, 1973, p 91) tiene una historia corta que describe una noche antes de un suicidio planeado como siguiendo, donde la principal personaje le pregunta: "No lo oyes ¿No oyes esa terrible voz gritando en todo el horizonte, que normalmente llamamos el silencio?". Dado que ya no puede soportar el sonido de gritos salta por la ventana. Incluso Munch había escrito sus pensamientos suicidas en sus diarios. La misma escena apocalíptica se describe en la mitología nórdica. En Njls saga (. Baeksted, 1996, p 66), que CanRead lo siguiente: "El miedo fielmente ahora es el momento de mirar a su alrededor, cuando sangrientas, las nubes oscuras se mueven en el cielo, la sangre de los colores caído el aire, en contra de la . cantar a la naturaleza Al leer estas palabras se puede sacar una conclusión de que Munch posiblemente conocía esta historia, y por lo tanto sabía cómo iba a ir sobre para describir la atmósfera amenazadora. fantasma Sangre en la mente de Munch posiblemente se explica por el hecho de que que, cuando tenía cinco años de edad, fue testigo de la muerte de su madre con el acompañamiento de pulmón sangrado Según Kjellqvist, (1995) los psicoanalistas están poniendo un gran énfasis en este evento en términos de desarrollo artístico y espiritual de Munch.  .; La cabeza de la figura de El Grito se encuentra en una especie de "límite" y lo interesante es que la definición de "límite" en psicología se considera como un estado entre la psicosis y la neurosis asociado con más o menos severos ataques de ansiedad. Puede Munch han colocado la cabeza se extiende entre el estable (lo artificial) y la dinámica (la naturaleza) y al mismo tiempo sentirse como límite. La actitud de Munch a la naturaleza era que se trataba de una proyección de un sentido psicológico (véase más arriba) y ya no tenía ningún significado cuando se separó de las reacciones emocionales causadas en mente humana, (Bjerke, 1995). Lange (1994) escribe; "Munchs er Kunst en sjelens impresjonisme, Icke en sansens. Det tienda hos er Munch en de han regel som gi klarer uttryckk por el pecado sjelsstemning da de han malte billedet, uten ty hasta symbolistenes kunstige antydninger og kombinasjoner, deres vold mot naturen, og uten opofre de alquilar maleriske. Munch prensatelas naturen i et jerngrepp av streng linje og ekspressiv Forenklet farve, los hombres han sjelden lemlester den (det hender perro f. eks., i Skrik) og han gjør sig Aldri avhengig av alquiler tankemessige symboler ...] ".

Ie lo fue en El Grito de Munch dejar que el alma entra en la naturaleza. En general, pintando un enfoque psicológico "destructiva", con la extraña figura en el medio, las manos que cubren más de los oídos para no escuchar el grito de la naturaleza, mientras que la cifra sí está gritando de ansiedad. El paisaje no se corresponde con sus expectativas y la tensión creada por los bordes rectos de bronce contra el cielo es evidente. Los colores no son realistas. El cielo parece ardiendo o sangre como Munch quería que fuera. Mi interpretación es que la pintura es una imagen de inestabilidad. La figura principal se encuentra exactamente donde la fusión dinámica y estable y que también es una manifestación de lo que estaba en la cabeza del artista, el gran temor de que él sería un enfermo mental, como su hermana lo hizo. Además, el hecho de que, después de haber tenido realmente el gran colapso y se libera del miedo y su ansiedad detenido, incluso los de sus pinturas cambió de color. Se cree que el retrato de Friedrich Nietzsche, pintado 1905-1906 para ser un ser idealizado. Usted puede encontrar similitudes con el grito en el fondo pero la figura (Nietzsche) está de pie derecho y que irradia potencia (Heller, 1973). Duelo entre curvas y líneas rectas también describe un duelo en la psique del artista, un duelo entre ser estable o inestable. La estabilidad de la imagen es artificial (el puente) y labilidad naturales (el cielo dinámico). Por lo tanto, se podría decir que Munch podría experimentar la estabilidad en sí mismo como un fenómeno artificial y la creatividad en sí mismo es la forma natural dinámico incluso si sentía miedo periódicamente. Francia El hombre que grita en el grito puede describir un sentido de pertenencia a la naturaleza, sino como Munch describió la naturaleza tan aterrador, es difícil saber cuál es el concepto de naturaleza realmente significaba para él. Tal vez él cambió la naturaleza con la feminidad, el hecho es que había tenido problemas de sus relaciones con las mujeres de sus (Bjorn Stadt, 1995). Munch mismo ha dicho que él pintó "un extracto de la naturaleza" (Eggum, 1989) y sugiere que él pensó que había logrado describir el paisaje (del alma) de la naturaleza. Si él entonces vio el ojo omnisciente de Dios en el cielo, es una manifestación más de la inestabilidad y el miedo al castigo. La muerte y la carrera de la enfermedad mental de la madre, sin duda ha jugado un papel importante en este . La interpretación de la perspectiva frontal como un deseo de satisfacer el mundo se enfrentan a cara (Bjerke, 1995) también se puede interpretar como valentía. El paisaje del alma ya es visible en el fondo lo confirma. También hay una clara demarcación entre la figura y "amigos" (Wittlich, 1987). Es bastante claro que Munch sentía solo e incomprendido y se puede ver que el sentimiento en la forma de la gente migratorias de distancia en el fondo. . A continuación, puede especular si de alguna manera disfrutó periódicamente la soledad y la atención negativa y se sentía como un herido (sangre) de Cristo, por tanto, sustituir o curandero me inclino a ver la pintura como Bjerke (1995) hace: un estado duradero, donde no hay exterior o interior sin su conjunto. El conjunto de esta imagen describe un cierto instabilityof la mente del artista

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